Auch das Theater hätte genau jetzt die Gelegenheit, sich aus den vielen Krisen heraus zu erneuern. Aber nicht durch oberflächliche Aktionen, sondern mit tiefergehenden Reformen. Treten wir doch zunächst gemeinsam auf und sagen, dass sich das Theater auch in einer Krise befindet, niemanden wird es wundern. Sagen wir aber gleichzeitig, dass wir uns nicht nur durchschummeln wollen bis es wieder besser wird, sondern dass wir an das Theater glauben, und wie, und dass wir unser Bestes und Möglichstes dafür geben werden, damit es wieder läuft. Aber um das bloße Laufen geht es gar nicht, sondern um die grundsätzliche Frage, was Theater überhaupt ist und was es für die Menschen sein kann.

 

Suchen wir neue Wege

Es gibt keine eindeutige Richtung, kein Richtig oder Falsch am Theater. Aber wenn wir z.B. versuchen, das Theater weniger als Ware, sondern mehr als lebendigen Prozess und Austausch zwischen Künstler*innen und Publikum zu sehen, könnten sich neue Wege auftun. Das aber braucht Zeit zum Ausprobieren, Zeit und Ressourcen, das Vertrauen des Publikums wieder zu gewinnen, indem es sich wieder angesprochen fühlt. Das aber ist ein längerer Weg und falls sich das Theater plötzlich wieder erholt, sollte uns das erst recht misstrauisch machen. Sobald wir uns wieder in Sicherheit wähnen, verpassen wir schon die Gelegenheit, über das Theater grundlegend nachzudenken und neue Weichen für seine nachhaltige Zukunft zu stellen.

 

Probieren wir alles aus

Setzen wir die Mittel, die wir bekommen haben, um die unmittelbarste Krisenzeit zu überstehen, doch auch ein für starke innere Erneuerungsversuche und kehren wir nicht dorthin zurück, wo die Scheinwerfer nur mit Schein um sich werfen. Machen wir neue Angebote, probieren wir alles aus, ohne Angst vor Holzwegen, ohne Angst, nicht mehr geliebt zu werden. Für unsere Aufrichtigkeit könnte uns das Publikum wieder zu schätzen beginnen, nicht für das Theater am Theater.

 

Alte Denkmuster und Selbstbilder auflösen

Es wäre ziemlich grotesk, würde man etwa weiterhin ein altes Bild von Bildungsbürgertum bemühen am Theater, so als ob die Zeit stehen geblieben wäre. Wir sollten aber auch nicht wie das Musikorchester auf der Titanic sein, das verzweifelt weiterspielt, in immer lustigeren Tönen, obwohl ihm das Wasser schon bis zum Hals steht. Wir sollten uns vielmehr auch am Theater einsetzen für eine Zukunft. Und diese Zukunft wird anders ausschauen. Wir könnten sie auch am Theater mitbauen. Aber nicht mit den alten Mustern, den alten Mythen, Denkweisen und Theaterstandesdünkel, mit der Erfolgssucht, dem sich Anbiedern ans Publikum, der elitären Attitude, dem auch ungewollten Ausschließen großer Bevölkerungsteile, dem Marketingholzhammer. Die Welt ändert sich, die Menschen ändern sich, ändern wir uns auch und verharren wir nicht weiter in einem Standes- und Selbstbewusstsein, das obsolet geworden ist. Denn andere Repräsentationen sowie Inklusionen sind nötig, um eine sich ändernde Gesellschaft auch am Theater hinreichend abzubilden.

 

Intakter Glaube an das Theater

Grundsätzlich dürfen wir zuversichtlich sein, dass das Präsenztheater weiterhin Zukunft hat. Als öffentlicher und gemeinsamer Ort bleibt das Theater gerade in unserer multimedial geprägten Zeit ein wichtiger und leidenschaftlicher Ort der persönlichen Begegnung. Was sich zwischen den Menschen abspielt, hat in der physischen Präsenz eine andere Qualität und Dimension. Gemeinsame Erlebnisse am Theater können viele Prozesse in Gang setzen, viele Impulse geben, man kann am Theater sehr offen aufeinander zugehen, sich öffentlich und gemeinsam auseinandersetzen mit Stoffen, Themen, Darstellungsformen, auch schmerzhaften, tabuisierten. Und das sollte eine Gesellschaft nicht verlernen. Auch und gerade in so schwierigen Zeiten.

 

Theater als Augenblickskunst

Das Theater bleibt gerade in schwierigen Zeiten ein unverzichtbarer sozialer Ort, an dem man für das Leben lernen kann. Das hat nichts Pädagogisches, sondern liegt im Wesen des Theaters als Augenblickskunst begründet. Theater als Live-Erlebnis muss bei jeder Vorstellung den ersten Augenblick neu herstellen. Das Publikum teilt dann diesen Moment. Stets muss man im gleichen Augenblick agieren und reagieren, senden und empfangen. Das Theater braucht dafür sein Publikum, braucht es nicht nur zum Adressieren, sondern auch als mitwirkende Kraft. Und deshalb kann man nur gemeinsam mit ihm Theaterzukunft denken. In diesem Augenblick ist auch das große Versprechen angelegt, ihn unmittelbar und auf Augenhöhe mit dem Publikum teilen zu wollen. Auch wenn das Theater reflektiert, vieles zusammenschaut, Konzepte realisiert und im Vorfeld länger proben muss, um diesen ersten Moment bei jeder Vorstellung neu herstellen zu können, ist und bleibt es eine Augenblickskunst und das birgt sehr viele Möglichkeiten.

 

Theater als Schein, der nicht betrügt

Es wird immer mühsamer, den Erscheinungen und Ereignissen unserer Zeit so zu begegnen, dass daraus etwas Konstruktives entstehen kann. In der Kunst aber sollte eine konstruktive Auseinandersetzung immer möglich sein. Denn die Kunst und damit auch das Theater ist selbst ein Konstrukt, eine Welt in der Welt, wo im Schutz der Fiktion, der Figuren ein Als-Ob erzeugt wird, das auf beiden Seiten große Offenheit zulässt. Man trifft sich mit seinem Publikum an einem geschützten Ort, wo man im Scheinwerferlicht alles offenlegen kann, ganz ohne Angst und Scham. Und das Publikum spielt mit, indem es das Gezeigte für wahr nimmt, aber gleichzeitig weiß, dass es im Theater sitzt. Diese doppelte Haltung ist das stille Einverständnis, der große Spielraum, darin hat dann alles, wirklich alles Platz.

Am Theater waltet also ein Schein, der nicht betrügt, hier lässt sich noch vieles sagen und annehmen, was im Leben oft nicht oder nur schwer gesagt oder angenommen werden kann. Theater bietet damit die große Möglichkeit, tief unter alle Oberflächen zu schauen und den äußeren Schein zu durchbrechen. Es kann dabei die Menschen in ihrer ganzen Geschichtlichkeit erfassen, in einem einzigen Augenblick die auch versteckten Motive und Ansichten, die sie treiben, sichtbar machen und ihre Widersprüche aufzeigen. Entwicklungen von Figuren und Situationen finden ebenfalls offen statt und es muss dabei nicht auf das Einverständnis des Publikums abgezielt werden.

 

Theater als Spiegel der Gesellschaft

Theater konfrontiert die Menschen immer unmittelbar mit sich selbst, ihren Hoffnungen, Sehnsüchten, auch ihren Widersprüchen, Abgründen. Wie sehr sich das Publikum dabei in den Bühnenfiguren wiederfinden kann, mit ihnen mitfühlen kann, sich über sie ärgern kann, hängt auch davon ab, wie viele Andockmöglichkeiten man bietet und dass Widersprüche nicht geglättet werden. Ihre jeweiligen Situationen, in denen diese Bühnenfiguren stecken, fühlen, denken, handeln, leiten sie. Wie sie sich dabei zeigen, welche Obsessionen, Ängste sie haben, in welchen Dilemmas, Abhängigkeiten, Konflikten, Glücks- und Unglücksmomenten sie stecken und wie sie an ihren Beziehungen und Verstrickungen wachsen oder eingehen, das alles kann ein Theaterabend hautnah vermitteln. Mit geformter Distanz und der bewussten Vermeidung von Gefühlen und Einfühlung wird aber am heutigen Theater viel Dramatisches weggerückt. Die Figuren werden nicht mehr in ihrer ganzen Tiefe erfasst. Das Postdramatische Theater hat sich durchgesetzt, das gefährliche und gefährdete Subjekt wurde verbannt und das Dramatische dem Theater ausgetrieben. Empathie und Glaubwürdigkeit sollen vermieden und das Publikum zum Denken gebracht werden. Als ob sich das ausschließen würde. Die dualistische Sicht hat auch am Theater Einzug gehalten. Verstand statt Gefühl. Schablone statt Hormone. Der Campus der Soziologie stülpt sich über alles Fleisch und Blut des Theaters und seine Lebendigkeit, seine Uferlosigkeit verliert. Allzu theoretische Zugriffe können das Theater bis zur Unkenntlichkeit zerdenken und zertrümmern und viel frustriertes Publikum hinterlassen.

 

Theater als reelle Erfahrung

Als inszeniertes Konstrukt kann Theater sehr reelle Erfahrungen ermöglichen. Dabei kann es wie unter der Lupe auch sichtbar machen, was im täglichen Getriebe draußen oft untergeht, negiert, verdrängt oder verleugnet wird. Ein offener und tabuloser Austausch ist am Theater also besonders gut möglich, da hier dieser Schein waltet, der nicht betrügt. Was durch Kunst ausgesprochen oder gezeigt wird, hat immer auch diesen distanzierenden fiktionalen Charakter, der sowohl auf der Bühne als auch beim Publikum die Auseinandersetzung mit auch harten Themen und Stoffen erleichtert. Zugleich kann große Nähe und Tiefe erzeugt werden, wenn der Funke überspringt und man das Publikum erwischt. Theatererfahrung ist damit neben dem fiktiven Anteil immer auch eine sehr reelle Erfahrung, die immer in die Wirklichkeit einwirkt, weil sie durch wirkliche Menschen hindurchgeht. Künstler*innen verarbeiten dabei über ihre Imagination und Fantasie, über Reflexion und künstlerische Mittel und Formen das, was sie aus sich selbst und ihrer Wahrnehmung der Welt schöpfen. Dabei stechen sie mit ihren ungenormten Instrumenten auch ins Ungewisse. Gelingt es ihnen, ihr Publikum mit ihrer Kunst zu berühren, zu bewegen oder zumindest zu erreichen, entsteht Glaubwürdigkeit.

 

Theater als Ort der Glaubwürdigkeit

Glaubwürdigkeit zu erzeugen ist vielleicht die größte Kunst am Theater, weil die schwierigste. Es können aber gerade am Augenblicksort Theater echte Gefühle erzeugt werden, eine innere Erschütterung, ein spontanes Lachen, ein verhaltenes Schnauben. Unmittelbare Reaktionen zeugen von Glaubwürdigkeit. Wenn es den Schauspieler*innen gelingt, ihre Gefühle wirklich zu fühlen, ihre Gedanken wirklich zu denken, wird ihnen das Publikum dabei folgen.

 

Theater als demokratische Kunst

Theaterarbeit ist demokratische Schwerstarbeit, wo alles im Sinne des Ganzen geschehen muss, und wo gleichzeitig die Vielfalt aller Beteiligten sichtbar bleiben sollte. Theater kann einer pluralistischen Weltsicht sehr entgegen kommen, da es selbst keine Gewissheiten und Wahrheiten vorgibt. Theater freut sich daher über ein offenes Publikum, eines, das sich einlassen und überraschen lassen will, auch mit und von sich selbst. Im Theater als demokratisches Medium liegt auch seine Zukunft. Deshalb ist es wichtig, manch zähes Muster des Repräsentationstheaters zu durchbrechen, aber auch seine fortgeschrittene Kommerzialisierung zu untergraben. Dass die Regeln des Marktes so Einzug gehalten haben auch in unsere Kunst, das ist bitter v.a. deshalb, weil man es fast nicht mehr merkt. Deshalb ist es wichtig, dass Theater auch in schwierigen Zeiten für die Menschen da ist, so richtig da, mit all seinen geistigen und sinnlich-körperlichen Anteilen, die sich in immer neuen Variationen zusammenfügen lassen. Ein Fest der Leiber und Seelen kann Theater sein und eine Wundertüte ohne Boden, weil es in eine große Tiefe und Breite gehen kann und alles in sich aufnehmen und alles wieder abgeben.

 

Theater als Kunst mit vielfältiger Geschichte

In seinem Suchen nach heutigem Ausdruck wird sich das zeitgenössische Theater doch auch immer zu seiner eigenen Geschichte verhalten. Das Gegenwartstheater hat nicht nur eine vielfältige Dramen- und Theatergeschichte im Rücken, sondern auch eine Geistes-, Kultur- und Ereignisgeschichte. Theater baut immer auf etwas auf, denn es ist neben allen spezifischen Ausprägungen immer auch eine besonders intensiv aufnehmende und verarbeitende Kunst. Hierbei auch die eigenen Traditionen, den massiven Eurozentrismus aufzubrechen, an dem es sich festgezurrt hat, wäre gut. Aber nicht, um sich woke zu geben, oder um den liberalen Charakter von Kunst zu betonen, sondern aus echtem Interesse für entferntere Kultur- und Theatertechniken. Auch im Sinne des Experiments zur Erweiterung der Ausdrucksmittel und natürlich auch hinsichtlich unseres Publikums in einer immer globaler und multikultureller werdenden Gesellschaft. Und was liegt näher, als dies auch durch eine verstärkte multikulturelle Zusammensetzung der Theaterteams zu erreichen. Zumal Theaterkünstler*innen immer auch ihre persönlichen Geschichten und subjektiven Wahrnehmungen in ihre Theaterarbeit einbringen. Ebenso, wie wir nach einem offenen Publikum suchen, sollten daher auch wir selbst offener werden. Dies gilt auch für den einzelnen Theatermenschen, sich grundsätzlich frei zu machen von allen Selbstbegrenzungen, auch von Dogmen, außer man spielt mit ihnen. Am Theater muss man täglich daran arbeiten, sich für den Moment zu öffnen. Auch deshalb, damit der Einfall einfallen kann. Man muss sich mit vielen Gedanken vollsaugen und dann wieder alles vergessen für den Augenblick. Das erfordert eine täglich hohe Dosis an Konzentration und damit auch Zeit. Unter Zeit- und Produktionsdruck arbeiten zu müssen, entspricht nicht den Anforderungen des Theaters. Nur durch Routinen gelingt es uns, in immer kürzeren Zeiträumen immer mehr Premieren herauszuklopfen. Diese Routinen, so bequem sie ebenfalls sind, gilt es zu durchbrechen. Aber Corona hat hier ohnehin eine Zäsur bewirkt.

 

Theater als unberechenbare Kunst

Theaterarbeit ist also ein ständiger lebendiger Prozess und Austausch. Diese Prozesshaftigkeit des Theaters liegt bereits weit vor der unmittelbaren Gegenwart in der Theatergeschichte und setzt sich fort in der Gegenwart im gemeinsamen Prozess des Erarbeitens eines Theaterwerks sowie in weiterer Folge in den gemeinsamen Prozessen mit einem Publikum. Und deshalb kann man Theater auch nicht fassen, nicht festnageln, sondern kann ihm immer wieder nur freien Lauf lassen. Trotz aller Konzepte, trotz aller Etikettierungen, aller Moden und Zwänge. Theater ist immer lebendig und unberechenbar. Die Unberechenbarkeit des Theaters kann dabei auch die Theatermacher*innen selbst immer wieder aufs Neue überraschen, sodass man letztendlich vor der Premiere selber staunt wie ein Kind und sich fragt, wie man das eigentlich gemacht hat. Man weiß letztlich nicht, was aus dieser Wundertüte Theater herauskommt und das ist auch gut so.

 

Theater in der Kommerzfalle

Nun ist aber Theater keine reine Wunderwelt, sondern auch tief in gesellschaftlichen Mustern und Verkrustungen verstrickt. Theater hat z.B. fast immer den Druck, möglichst viel Publikum zu lukrieren und Karten verkaufen zu müssen. Wenn man diesen Zwang von Anfang an mitdenken muss, hemmt das die eigene Theaterarbeit enorm. Das Hemmende beginnt aber auch schon bei der Auswahl der Stoffe und Stücke, wenn sich die bange Frage aufdrängt, ob das Publikum das auch wirklich sehen will. Aber diese Frage ist falsch, denn es gibt nicht nur das eine Publikum. Ebenso wenig wie es pauschales Theater und pauschale Theatermacher*innen gibt, gibt es auch nicht das pauschale Publikum, das man bedienen kann, auch wenn viele Theaterkonventionen darauf abzielen. Das Fahrwasser, auch was die öffentliche Berichterstattung über das Theater betrifft, ist häufig das immer gleiche. Wie und wie umfangreich sich Theater im Vorfeld öffentlich darstellt oder dargestellt wird, in den Pressekonferenzen und -aussendungen, in den Vorberichten, dann auch in den Kritiken selbst, steuert den Publikumszulauf und die Erwartungshaltungen mit. Grundsätzlich ist das auch wichtig und Teil zahlreicher Bemühungen, der Kunst und Kultur insgesamt einen größeren Stellenwert zu geben in der Öffentlichkeit. Wenn aber auch das Theater und die Medien das gängige Werbemuster übernehmen, so fördert das einen zu kalkulierten Theaterbesuch. Der Schein stülpt sich auch über das Theater, statt dass dieses ihn offenlegt. Bestimmte Erwartungen werden geweckt und bedient, Namen werden zu Marken, als wäre das Theater ein fertiges Produkt, wo Geschmäcker bedient und die Zutaten auf der Verpackung ausgewiesen werden könnten. Solch ein Theater kann nur ein Ablaufdatum haben, wenn es sich so massiv auf den Markt zuschneiden lässt, inklusive Stückdauer, die, wenn sie eineinhalb Stunden überschreitet, fast schon eine Allergiewarnung ist. Für das Theater gibt es aber keine Rezepte, seine Augenblickskraft, seine Überraschungsmomente lassen sich nicht vorhersagen und wenn es pauschale Erwartungshaltungen, vermeintliche Vorlieben und gängige Gewohnheiten bedient, wird es ein Event unter vielen und leicht durch andere Events ersetzbar. Abseits davon kann man als kleine Initiative nur bestehen, wenn man weiterhin auf die Aufmerksamkeit, die Neugierde und Unvoreingenommenheit der Theatergeher*innen vertraut und dabei hofft, auch in leiseren Tönen sein Publikum zu erreichen. Auf dass es am Theatermarktplatz auch bis in die kleinsten Nischen vordringt, dort ebenfalls seinen Vertrauensvorschuss gewährt. Gerade die kleineren Theater haben nicht ohne Grund ein so treues Stammpublikum. Es kontinuierlich zu vergrößern braucht seit jeher viel Zeit und viel Geduld.

 

Theater als lebendiger Prozess

Wenn man sich bewusst macht, dass das Theater kein pauschales Ereignis, sondern ein lebendiger Prozess und unmittelbarer Austausch zwischen Künstler*innen und Publikum ist, dann würde man nicht wieder so leicht ins alte Fahrwasser kippen. Wenn man aber glaubt, vermeintliche Erwartungshaltungen erfüllen zu müssen, um genügend Karten zu verkaufen, ordnet man das Publikum ein und bringt es und sich selbst, bringt das ganze Theater um seine Möglichkeiten. Man merkt es aber nicht, weil auch am Theater eine große Betriebsamkeit herrscht. Ein rasender Stillstand kann auch am Theater entstehen, der durch Hyperproduktivität und Pseudo-Avantgarde zwar verschleiert werden kann, künstliche Hypes und künstlicher Fortschritt haben jedoch nicht die Kraft, das Theater auf Dauer am Leben zu erhalten. In einer Zeit, wo sich so vieles ändert, sollte deshalb auch das Theater alles daran setzen, sich von innen heraus mit zu verändern, alte Muster zu durchbrechen. Dann kann es auch in Zukunft noch genügend Publikum finden. Es als Konsumentinnen und Konsumenten anzusprechen, hat keine Zukunft, denn das Konsumverhalten wird sich ändern. Und Theatergeher*innen lassen sich nicht mehr abfertigen, wenn sie einmal erlebt haben, was Theater alles sein kann. Sie vergessen ihre negativen Theatererfahrungen nicht und wenn man schon der Jugend das Theater versaut, wird auch nicht genügend Erwachsenenpublikum nachwachsen können.

 

Theater auch als Ort, dem Lärm und Ramsch zu entkommen

Dass sich das Theater schon so lange im Kreis dreht und sich zu sehr an Äußerlichkeiten wie etwa Promifaktoren oder im Weg stehende Bühnenbilder orientiert, ist schade. Das Vertrauen auf seine immanenten Kräfte ging verloren. Die Kraft der Fantasie, des Augenblicks und des Widerspruchs. Die Inszenierungen wiederholen nur allzu oft den Status Quo oder zertrümmern jede emotionale Andockmöglichkeit. Dass man bei der Inszenierung und Darstellung auch öfters ins Gegenteil gehen könnte, um die ganzen Widersprüche des Menschlichen aufzuzeigen, wird zu selten ausprobiert. Stattdessen wird auf der Bühne gern künstlich geschrien oder Tempo gemacht, um fehlenden emotionalen Ausdruck zu kompensieren oder längere Passagen vermeintlich abzukürzen. Wären die Regisseur*innen und Schauspieler*Innen mehr im Moment, würden sie der Kraft der Stoffe mehr vertrauen und nicht nur ihren Konzepten folgen, sondern auch ihrem Gespür, könnten sie viel mehr im Augenblick sein. Stattdessen werden im Vorfeld ersonnene Regiekonzepte durchgeboxt, oft an den Schauspieler*innen und damit auch am Publikum vorbei. Die Augenblickskunst wird am Theater nicht so entfaltet wie dies möglich wäre durch Menschendarstellung. Der tragende Moment braucht aber oft nur ein inneres Durchdringen. Das ist allerdings anspruchsvoll und zu knappe Probenzeiten lassen dafür oft nicht genügend Zeit. Vor allem auch die stillen Momente zuzulassen, ohne Angst vor Innigkeit und Gefühlen, würde ein Augenblickstheater in seiner dichtesten Form ermöglichen. Wir sollten daher auch wieder mehr auf die besondere Kraft der Reduktion vertrauen, auch um besser zum Kern der Stücke zu kommen. Das Publikum könnte dann mehr von seiner Imaginationskraft beisteuern und auch mehr Nuancen erkennen. Es könnte sich ebenfalls mehr einlassen und dabei auch einmal dem Lärm und dem Ramsch der Welt entkommen. Reduktion am Theater hat eine Qualität, die nicht genügend gewürdigt wird, da sie den üppigen Sehgewohnheiten widerspricht. Aber genau hier könnte sich das Theater den gängigen Mustern widersetzen, nur das erfordert auch Mut. Den Mut, Erwartungshaltungen zu brechen und v.a. auch ohne viel äußeres Beiwerk im und durch Schauspiel zu überzeugen. Aber das muss man nicht nur wollen, sondern auch gelernt haben und können.

 

Theater in der Selbstvergewisserungsfalle

Indem Theater viele Möglichkeiten hat, den äußeren Schein zu durchbrechen und damit auch die ganzen Scheinwahrheiten, auf die unsere Unterhaltungs- und Konsumkultur aufbaut, könnte es sich als emanzipatorisches und kritisches Medium behaupten. Wenn das Theater dem Publikum zu wenig Angebote macht, sich selber in Frage zu stellen, setzt es den Scheingewissheiten, der Scheinberuhigung und dem täglichen, oft unbewusstem Selbstbetrug nicht genug entgegen. Der Mensch wird auf der Bühne zu bloßem Anschauungsmaterial objektiviert. Auch, um die Theaterbesucher*innen nicht mit den eigenen Widersprüchen und Abgründen zu belästigen. Aber auch die alte humanistische Kraft von Theater scheint obsolet, denn es mutet inzwischen sonderbar an, sich über das Theater als kultivierter Mensch seiner selbst vergewissern zu wollen. Nur wenn man die Selbstvergewisserungsfalle umgeht, kann am Theater der Horizont geöffnet, auch der Status Quo aufgebrochen werden, kann unsere Kunst ihre ganze emanzipatorische und verändernde Kraft bewahren und immer wieder neu entfalten. Theater, das vermeintliche Wahrheiten, bequeme Meinungen und den Status Quo durchbricht, wird sich dabei immer auf die Kraft des Augenblicks verlassen können. Es braucht dafür aber ein aktives Publikum, das mitgeht, mitfühlt, mitdenkt. Und wir vom Theater müssen dafür sorgen. Für ein Publikum, das sich und die Welt immer wieder aufs Neue entdecken will und keine Scheu hat, sich selbst im Theater zu begegnen.

​

Nivellierungstendenzen vermeiden

Theater ist ein Ort der Artenvielfalt, auch wenn in diesem Text viel Kritik geübt wird. Wie Theater geht, lässt sich nicht sagen, auch hier nicht. Aber um das geht es gar nicht, sondern darum, die ganze Palette seiner Möglichkeiten erahnen zu lassen, um sie dann auch ausprobieren und nützen zu können. Damit wieder mehr Publikum kommt. Unsere gemeinsame Anstrengung könnte es sein, jede und jeder auf die eigene Art und Weise, die Artenvielfalt des Theaters zu verbessern und allen Nivellierungstendenzen entgegenzutreten. Der Wildwuchs in der Theaterlandschaft muss gefördert werden und die freien Theater dürfen nicht eingehen bzw. müssen auch dem Theatermacher*innen-Nachwuchs genügend Möglichkeiten gegeben werden, sich in die Theaterlandschaft einzupflanzen und zu erblühen. Gerade die jungen Kräfte haben noch den Saft und den Mut, Neues auszuprobieren und sich hineinzustürzen in das Ungewisse und in den Augenblick.

 

Das zu sehr Berechnende muss weg

Zusammenkünfte am Theater zum gleichzeitigen individuellen und gemeinsamen Erleben sind reich an Perspektiven. Jede und jeder lässt sich individuell auf das Bühnengeschehen ein und niemand weiß, wo es hingeht. Theater stillt auch das legitime Unterhaltungsbedürfnis des Publikums und gönnt ihm gerade auch in harten Zeiten von Herzen das Lachen. Der Humor hatte am Theater immer schon eine anarchische Kraft. Oft lässt sich dem Schmerz nur noch mit schwarzem Humor begegnen, da auch dieser im Innersten weh tut. Das Theater lebt immer noch von seiner Komödientradition des volkstümlichen Improvisationstheaters und dieses von seiner radikalen Ungezügeltheit und Kritikfähigkeit. Theater hat aber oft auch Sicherheitsstufen eingebaut, die v.a. dem kommerziellen Gedanken, auch dem uneingestandenen, und dem Prestigetheater dienen. Dieses allzu Berechnende am Theater müsste weg, denn es entspricht nicht dem unberechenbaren und ungeleiteten Wesen von Kunst. Gelingt es dem Theater, sich durch verstärkte Selbstreflexion und Neupositionierung, durch das Überdenken seiner Begriffe, das Zusammendenken rivalisierender Strömungen, durch Cross-Over-Experimente, das Ablegen von eindeutigen Rollenzuschreibungen, das Aufbrechen von Monokulturen, durch den Mut zur Reduktion, das Wegwenden von Theaterformeln, das Reagieren auf veränderte gesellschaftliche Realitäten, das Zurücknehmen seines moralischen Hoheitsanspruchs, das Ausbrechen aus Modeströmungen und Negieren der Warenförmigkeit sein Publikum zu bewegen, aufzurütteln, immer wieder neu zu überraschen, ihm etwas zuzutrauen, anstatt es zu bestätigen, zu besänftigen, auszupowern oder abzulenken, dann wird sich das Theater auch in Zukunft halten können. Aber daran ist zu arbeiten.

 

Wenn man glaubt, sein Publikum mit zu viel Konfektion, Konvention oder auch (heikles Thema!) Pseudooriginalität bedienen zu müssen, nimmt man es - auch ungewollt - nicht ernst oder beugt sich - auch unreflektiert - der eigenen Bequemlichkeit. Theater ist und bleibt produktive Konfrontation und man muss keine Angst haben, sein Publikum zu überfordern oder zu vergraulen, auch nicht in Zeiten, wo vieles unverständlich und schmerzhaft geworden ist.

 

Theater als offener Ort

Theater ist ein demokratischer und ehrlicher Ort. Ein Ort, der dafür wie geschaffen ist, sich mit dem Leben zu befassen und die Grenzen der Realität durch Möglichkeitsentwürfe zu überschreiten. Theater wird immer die Grenzen des Realen überschreiten, weil es in keiner Sekunde irgendeine äußere Realität nur abbildet, sondern sie aufgreift, um sie inhaltlich und künstlerisch zu durchdringen und zu formen. Dass dabei nicht nur den offensichtlichen Erscheinungen Beachtung geschenkt wird, sondern auch all dem, was unsichtbar (gemacht) vor sich geht, was sich auch tief drinnen in den Menschen abspielt, gibt dem Theater die Möglichkeit, ein dichteres und umfassenderes Bild von Mensch und Welt zu zeichnen und sich in seinen Sujets zu vertiefen. Das Unkalkulierbare im Menschlichen wird nicht ausgeblendet. Am Theater rein kalkuliert oder nach strikten Regeln oder Schulen vorzugehen, ist eigentlich unmöglich, da echte Menschen auf der Bühne stehen und auch der Augenblick immer dazwischenfunken kann, wenn man ihn lässt. Methodisch zu arbeiten ist jedoch wichtig und gut, sofern die Methoden auch immer wieder reflektiert werden. Offen zu bleiben und verschiedene Zugänge auszuprobieren und zu verknüpfen, erweist sich in der Theaterarbeit immer als sehr fruchtbar, denn das einengende duale Denken am und über Theater kann dadurch aufgebrochen werden. Woher der allgemeine Irrglaube kommt, dass anspruchsvolles Theater und Unterhaltung bzw. emotionale Teilnahme sich ausschließen sollten, ist ein Rätsel. Denn es ist immer möglich, das Publikum mit dem Bühnengeschehen emotional zu erreichen und trotzdem geistig zu fordern. Dem Publikum während der Vorstellung seine Theatermittel offenzulegen, es zum Denken anzuregen und es gleichzeitig hineinzuziehen in das Geschehen, sodass es mit den Figuren mitleben kann, das schließt sich nicht aus. Wir experimentieren damit schon seit Jahren und haben daraus auch eine eigene Handschrift entwickelt, ohne damit das Theater neu erfunden zu haben. Vielleicht sollte man nur davon abrücken, das Theater immer wieder neu erfinden zu wollen.

 

Theater als wirkungsmächtiger, kompromissloser Ort

Viele Theaterreformen waren und sind durch ihre Wirkungsästhetik motiviert, was zeigt, wie wichtig das Publikum für das Theater immer war und noch ist. Der Glaube daran, dass Theater die Gesellschaft auch zum Besseren verändern kann, wird aber immer wieder in Frage gestellt, da man nicht als naiv oder pädagogisch gelten will. Auch das Theater kann dazu beitragen, dass sich etwas zum Besseren verändert, aber das lässt sich nicht konkret machen und auch nicht konkret messen. Wenn man dem Theater seine Wirkungskraft abspricht, warum macht man es dann überhaupt noch? Unzählige Theaterreformen quer durch die Jahrhunderte und gehäuft anzutreffen in der europäischen Moderne, der ersten Avantgarde, zeigen die Spur, wie sich das Theater aus seiner jeweiligen Zeit und Gesellschaft heraus erneuern wollte und konnte. Diese Spur nicht nur als historisch zu sehen, sondern sich davon auch inspirieren zu lassen, lohnt immer. Man muss am zeitgenössischen Theater keine Angst vor dem haben, was uns unsere Theaterahnen hinterlassen haben. Manche Erneuerungen waren so radikal und so geleitet von dem Wunsch, in die Gesellschaft einzuwirken und dabei die ungewöhnlichsten Mittel auszuprobieren, dass wir uns von ihrem Mut, ihrer Experimentierfreude, ihrem Interesse auch für andere Kulturen und ihrem gesellschaftlichen Anliegen was abschauen könnten. Denn jeder Kompromiss, den das Theater machen muss, ist schlecht. Man kann auch nicht mit halber Kraft Theater machen. Und nur solange wir auch vom Publikum wieder Kraft zurückbekommen, ist es möglich, sich ganz und gar einzusetzen für diese Kunst. Aber sie macht natürlich auch eine große Freude und diese gilt es ebenfalls zu bewahren, um kreativ bleiben zu können. Unsere Theaterahnen haben uns einen riesigen Baukasten hinterlassen, mit dem wir wie die Kinder spielen können. Um auch daraus zu schöpfen und mit den Mitteln unserer heutigen Zeit Neues zu formen. Wir Theatermacher*innen sollten also aus unserem Produktionstrott öfter austreten und das Theater und seine Mittel immer wieder neu überdenken. Das geht am besten on the spot. Theatertheorien können in der Tat am effektivsten aus der Praxis gewonnen werden. Theater daher auch aus diesem Grund eher als Prozess und weniger als Produkt zu sehen, wäre gut.

 

Theater als großer Spielraum

Proben am Theater sind oft ein vielfältiges Ausprobieren an Zugängen, Möglichkeiten, Verfahren und Techniken und es ist spannend, dabei zu sehen, was möglich ist und was nicht, wohin dieses Ausprobieren führt und ob damit genau das zum Ausdruck gebracht werden kann, was man als Künstler*in gerade ausdrücken möchte. Theaterschaffende verhalten sich bei ihrer Arbeit, ihren Forschungen dabei nicht wie objektive Wissenschaftler*innen, da sie sich nicht als Subjekte aus ihrer Kunst herausnehmen können. Auch nicht aus ihrer Mit- und Umwelt. Damit hat man im Theater mehr Spielräume als im Leben selbst. Theater ist ein einziges Spannungsfeld, wo ebenso viele Herangehens- und Betrachtungsweisen zusammenkommen wie Menschen. Man erprobt sich dabei auch als Teamspieler*innen, denn wenn man nicht nur an Oberflächen kratzt oder nur abliefert, was die Regie einfordert, prallen in der Theaterwelt auch viele verschiedene Denk- und Sichtweisen aufeinander.

 

Theater als subjektive Kunst

Was die Dramen- und Literaturgeschichte betrifft, ist sie ein einziges historisches Archiv auch von Seelen, das zeigt, was Menschen in ihren jeweiligen Zeiten und Lebensumständen dachten, fühlten, machten. Kunstwerke, z.B. klassische Theaterstücke, bezeugen auf vielschichtige Weise, absichtlich oder unabsichtlich, was in ihnen Eingang gefunden hat. Denn Künstlerinnen und Künstler können sich nicht aus ihren Lebensumständen und den Ereignissen ihrer Zeit herausnehmen, im Gegenteil, meist versuchen sie gerade über ihre Werke der Welt zu begegnen. Sie kommunizieren mit der Welt. Kunstwerke sind daher auch stets über ihren Kunst- und Kommunikationswert hinaus wichtige geschichtliche Zeugnisse und Quellen und dienen nicht nur einem zeitgenössischen oder zeitübergreifenden Publikum, sondern auch anderen Empfänger*innen, etwa den Wissenschaften, die ihre jeweiligen Erkenntnisse aus vielfältigen Hintergründen und Kontexten gewinnen müssen. Wenn man wissen will, wie die Menschen insgeheim ticken in bestimmten Situationen, können gerade Kunstwerke sehr aufschlussreich sein, da in ihnen auch das Unbewusste und Verborgene sichtbar wird, auch das, was nebenbei mitausgesagt wird. Auch zur Erforschung von Künstlerbiografien werden zuvorderst deren Kunstwerke herangezogen, weil sie subjektive und intime Zeugnisse sind und auch noch lange nach dem Tod ihrer Urheber*innen weiterwirken können. Man hat auch dann noch gewisse Möglichkeiten, sagte etwa Bert Brecht. Kunstwerke sind und bleiben also auf der Welt als Teil der Welt, sofern sie nicht vernichtet werden. Wenn man sie vernichtet, selber, weil man an ihnen so sehr zweifelte, wenn andere sie vernichten, weil man damit auch symbolisch die Urheber*innen vernichten, auslöschen will, dann vernichtet man nicht nur ein Werk, sondern auch den Menschen dahinter. Wie Kunstwerke weiterwirken, was sie auslösen, wie sie andere inspirieren, zum Gegenteiligen herausfordern, das alles ist nicht direkt messbar. Kunstwerke gehen über ihren dinglichen Charakter immer hinaus, grundieren das Faktische und betrachten damit die Welt auch von innen heraus. Oft möchte man sich als Künstler*in auch selbst besser begreifen, mit sich selbst besser klarkommen, und daher dient die eigene Kunst vielen Künstler*innen auch als ganz persönlicher Erhellungs- und Heilungsprozess. Dieser hat aber auch die Kraft, anderen Menschen zu dienen, da er sich im Kunstwerk äußert bzw. speichert. Das Subjektive in der Kunst ist also immer gegeben, auch wenn man dem (eigenen) Subjekt misstraut, auch wenn man mittlerweile mit Algorithmen und Robotik experimentiert, wenn posthumane Zugänge versuchen, die Mangelhaftigkeit der Menschen aufzuzeigen und zu überwinden.

 

Theater als alles durchdringendes Medium

Aber Theater ist nicht in erster Linie ein Labor oder ein Versuchsfeld, um überprüfbare und messbare Erkenntnisse zu gewinnen, um einen neuen Menschen zu formen oder die Unzulänglichkeiten der Seelen und Körper wegzuoptimieren. Im Gegenteil, die Mängel und Abgründe des Menschlichen aufzuzeigen, um damit die vielen Dilemmas und Widersprüchlichkeiten des Seins zu zeigen, ein tieferes Verständnis für andere Lebensentwürfe oder -praktiken, andere Überzeugungen oder Weltsichten als die eigenen zu gewinnen, ist eine der wichtigsten Möglichkeiten und auch Anliegen von Kunst. Wer sich diesem Anliegen widmet und am humanistischen Wert von Kunst unverdrossen festhält, ist kein naives Träumerlein, sondern darf ernstgenommen werden. Dass es heute aber niemanden mehr interessiert, sich durch Kunst belehren zu lassen, dass Kunst auch für Manipulationen herhalten muss und humanistische Ideen sich auch in inhumane Ideologien verkehren können, wenn man verblendet wird, was in der Begeisterung leicht geschehen kann, steht ebenso außer Zweifel. Und auch hier ist die Geschichte voll von Zeugnissen, die, wenn sie von einer Nachwelt interpretiert und beurteilt werden, immer auch ein Verständnis verlangen für die Umstände ihrer jeweiligen Zeit. In der Kunst speichert sich mit dem Ideellen auch viel Impulsives. Auch manches, was der späteren eigenen Betrachtung nicht mehr standhält. Das ist aber auch gut, da dies Lern- und Entwicklungsprozesse fördert und Kunstwerke auch zu unmittelbaren Stimmungsbildern werden lässt, sodass sie als Zeitzeugnisse neben den Fakten auch viel Hintergründiges vermitteln.

 

Theater als Kunst der Entäußerung

Entäußerung hat in der Kunst eine besondere Qualität und Intensität. In der darstellenden und performativen Kunst ist sie unumgänglich. Selbstzensur im Schöpfungs- und Schaffensprozess ist mit Kunst nicht vereinbar. Es ist aber eine ganz andere Entäußerung als in gewissen einschlägigen Formaten, da hier nichts kommerziell oder emotional ausgebeutet werden soll.

 

Theater als konstruierende und dekonstruierende Kunst

Was kann und soll Kunst ausdrücken und offenbaren, wenn schon im Schaffensprozess selbst eingeebnet oder zerstört wird, was nicht sein darf? Seit den 1980/90er-Jahren gibt es im Theater den Drang nach Dekonstruktion. Diese Zertrümmerungen unhaltbarer gesellschaftlicher Konstruktionen finden auch als radikales Dekonstruieren des Theaters selbst statt. Wenn man dem Theater und seinen Repräsentationen misstraut, ist das nicht grundsätzlich schlecht, denn Kunst als manipulative Kunst ist unhaltbar. Kunst soll im Postdramatischen Theater daher die Zeichen der Repräsentation zerstören. Die unheile Welt wird nicht gezeigt, eine heile Welt sowieso nicht, nur noch die Form. Wenn die Form das Inhaltliche auffrisst, die Figuren sich nur noch in ihrer zugerichteten Form zeigen können, bleibt aber wenig Fleisch übrig. Die Ergebnisse wirken oft sehr abstrakt, weil Bezugsrahmen fehlen und weil das Sujet der Kritik oft nicht mehr erkennbar ist. Es können damit auch kaum Prozesse aufgezeigt werden, sondern nur der Kunst-Akt selber, und wie man sich die unliebsame Realität vom Leib rückt, indem man sie zerstückelt. Als Künstler*in kann man sich aber auch sehr hinter einem formalen Regiekonzept oder holzschnittartiger Darstellung verstecken, weil man nichts preisgeben muss von sich selbst, weil man sich nicht in die Seele und ins Hirn schauen lassen muss. Geschichten, Gefühle und Subjekte aus dem Theater zu verbannen ist daher nicht der Weg unseres Theaters. Wir bekennen uns nach wie vor zu einem Theater der Einfühlung, auch wenn es althergebracht erscheint, was es auch ist, was aber nicht grundsätzlich schlecht ist. Hat das als Postdramatisches Theater etikettierte Theater, das Geschichten, Gefühle, Charaktere und den unberechenbaren Moment so radikal weginszeniert, einfach nur Angst vor deren destruktivem Potenzial? Dabei müsste niemand am Theater Angst davor haben, eigene Abgründe in den Bühnenfiguren wiederzuerkennen. Es gilt doch die Vereinbarung des Als-Ob. Ist dieses Als-Ob vielen postdramatischen Theatermacher*innen auch zu althergebracht? Warum lässt man sich hier so ungern ein auf Subjekte? Will man den Bühnenfiguren nicht unrecht tun, ihnen nichts zuschreiben? Welche Verwechslung findet da statt? Die oft unerträglichen Zuschreibungen, die im realen Leben existieren und überwunden werden sollen, nicht auch noch am Theater zu wiederholen, ist das der dahinterliegende Denkansatz? Kann man am althergebrachten Theater, dem als Dramatisches Theater etikettierten Theater, nicht auch plastisch anschaulich machen, was Zuschreibungen anrichten können, indem man sie zeigt, in den Figuren, in Situationen, in ihren ganzen dramatischen Handlungs- und Entwicklungsverläufen? Was wäre Theater dann noch, wenn man alles Menschliche, auch das Abgründige wegmacht? Eine gesäuberte, künstliche, hoffnungslose Welt ohne Gefühle? Ist es zuallererst die Furcht vor Gefühlen und Kitsch, die das heutige Theater viel zu oft so blutleer macht? Gefühle der Begeisterung und Euphorie, die Künstler*innen oft treiben und tragen, können immer auch in den Wahnsinn kippen und Gedanken können sehr gefährlich werden, das alles weiß man. Aber was wäre die Welt, wenn es keine Ideale mehr gäbe, alles suspekt geworden ist, wenn auch eigene Gedanken, Gefühle und Handlungen nicht mehr zur Diskussion gestellt werden dürfen? Und deshalb lassen es sich viele Künstler*innen auch weiterhin nicht nehmen, ihre ideellen Anliegen zu vertreten und aktiv Stellung zu beziehen, auch radikal. Auch auf die Gefahr hin, zu verstören, belächelt, missverstanden, mit ihren Figuren verwechselt oder sogar angefeindet zu werden.

 

Theater als radikale Kunst

Vielleicht wäre es sogar mutiger, sich am Theater wieder mehr zu bekennen. Die Reibung zu suchen, die Auseinandersetzung. Vielleicht brauchen die vielen Nöte unserer Zeit wieder eher ein Theater der radikalen Anschauung als ein Theater der radikalen Zertrümmerung, um die Welt wieder besser fassbar zu machen. Radikalität ist nicht negativ zu sehen, da sie Phänomene an der Wurzel packt und alles ausgräbt, was man eigentlich nicht sehen oder hören will, wenn man es sich im Leben halbwegs gut eingerichtet hat. Theater aber hatte immer schon den Drang, Bequemlichkeit zu zerstören. Dass es dabei immer auch verstören wird, das geht gar nicht anders und zeigt auch, dass tatsächlich viel brodelt unter den Oberflächen. Auch bewusstes Provozieren durch Theater fand und findet immer wieder statt. Und dass die Provokation dann aber doch meist nicht stattfindet wie geplant, liegt dann wohl eher an ihrer zu großen Gewolltheit. Die Holzhammer-Methode ist nie sehr effizient. Eher einschlagen kann die ungewollte Provokation, das Fragile, Unkalkulierte im künstlerischen Prozess, wenn das, was raus muss, ohne Absicht rausquillt und in offenen Wunden landet. Denn als Künstler*in weiß man nie, wie und wie sehr einen die eigene Kunst trifft, wenn sie einfällt bzw. wie und wie sehr sie dann auch bei anderen Menschen einschlagen kann.

 

Theater als Kunst von und für Menschen

Am Theater macht man sich immer angreifbar, ob im positiven oder negativen Sinn. Theater ist keine moralische Anstalt, sondern ein lebendiger Ort des unmittelbaren Zusammentreffens. Theater ist Menschenkunst, von und für Menschen gemacht, wo man sich mittels Kunst auf die Welt und die anderen einlässt, als Künstler*in und als Publikum. Kunst kann die Menschen deshalb auch verbinden. Die Als-Ob-Situation des Theaters erleichtert vieles auf beiden Seiten, ohne dass dabei weichgespült werden muss. Das Theater ist zweckfrei, es muss nichts und kann alles, und es bleibt eine fragende Kunst, eine grabende Kunst, eine Augenblickskunst, unberechenbar und voller Überraschungsmomente. Außer man überlässt es dem Markt, der Ideologie.

 

Theater als unberechenbare Kunst am Puls der Zeit

Der Betrag auf der Eintrittskarte ist eine Farce und ein notwendiges Mittel der Finanzierung. Der immaterielle Wert von Theater, von Kunst ist nicht messbar. Deshalb wird Kunst auch gefürchtet. Weil sie unberechenbar ist. Diejenigen, die sie machen, nehmen nicht Milch, Mehl, Eier und Salz, Zucker und Schmalz, sondern Stoffe, Ideen, Gefühle, Gedanken, Eindrücke, Vorstellungen usw. Und das oft auch intuitiv, emotionsgeleitet, aus Überzeugungen oder Interessen heraus. Überzeugungen, Ideen, Denkweisen gibt es so viele am Theater wie in der Welt selbst und oft haben Theaterkünstler*innen ihr ganz persönliches Anliegen und machen Theater deshalb genau so, wie sie es gerade tun, wenn sie in kein Korsett gedrückt werden. Sie sind davon überzeugt, wie sie ihr Theater machen, sonst würden sie es anders machen. Deshalb kann auch keine Theaterkritik unserem Sujet je gerecht werden. Weder durch Lob noch durch Tadel. Es erfordert daher Mut und Anstrengung von uns, die eigenen Theaterüberzeugungen von Zeit zu Zeit auch mal infrage zu stellen. Und gerade in Krisenzeiten hätten wir dazu die Gelegenheit. Theaterkunst entwickelt sich ständig, weil sich auch Künstler*innen ständig entwickeln, sei es nach vor oder zurück. Wie die Zeit selbst. Theaterkunst hat nicht nur den Drang, immer am Puls der Zeit zu bleiben, sie ist am Puls der Zeit. Denn Theater ist Gegenwart und nicht vakuumverpackt, sondern atmet. Auch jeder theaterästhetische Zugang bleibt eine subjektive Entscheidung, sodass das Subjekt niemals aus dem Theater verbannt werden kann. Gut ist, wenn man dabei auch dem Publikum möglichst viel eigenen Spielraum lässt, um möglichst frei und unvoreingenommen rezipieren zu können. Kunst trifft auch beim Publikum nie nur auf einen wie immer gearteten Zweck, denn die Besucher*innen bringen v.a. sich selbst mit. Mit allem, wie sie im Moment geworden sind. Auch sie können sich durch Kunst freimachen, um offen zu sein für neue Impulse und Eindrücke. Eine Begegnung auf Augenhöhe am Theater ist nur dann möglich, wenn das Publikum so genommen wird, wie es kommt, mit seinen diversen Gefühlen und Hintergründen. Das offene Publikum will sich nicht nur berieseln lassen, es will auch über den eigenen Tellerrand schauen.

 

Theater als transzendierende, Grenzen überschreitende Kunst

Das Transzendieren des eigenen Bewusstseins, der Weltsichten, Wahrnehmungen und Gewohnheiten ist am Theater besonders gut möglich. Denn Theater ist ein Spielfeld, wo man die Grenzen, die man sich im wirklichen Leben aus Vorsicht, Rücksicht oder sonst einem Grund steckt, ohne Angst überschreiten kann. Wie das Lachen, so sollte man als Theatermacher*in dem Publikum auch gönnen, sein Bewusstsein zu erweitern. Theater sollte also ein mutiger und offener Ort sein, bleiben oder wieder werden, denn nur so lässt sich sein großes Potenzial an Emanzipations- und Veränderungskraft bewahren. Das doppelte Wesen des Theaters (real und fiktiv zugleich) macht es als radikale Augenblickskunst so einzigartig, so relevant und wichtig für die Einzelnen und die Gesellschaft. Denn Theater bewirkt immer etwas, auch wenn man es nicht gleich sehen oder ummünzen kann.

 

Theater als riesiger Baukasten

Was Theater mit den Menschen macht, hängt auch davon ab, wie man Theater macht. Wenn man dabei von einem bestimmten Zweck ausgeht, sei es ideell oder materiell, ist es bereits in gewisse Bahnen gelenkt und kann nicht mehr seine ganzen Möglichkeiten entfalten. Auch Vorsicht am Theater ist keine gute Wahl, weil damit das menschliche Leben nicht in all seinen auch tieferen Gründen und Abgründen erfasst werden kann. Auch auf die Gefahr hin, dass man Widerspruch erntet, wäre es nicht gut, dieses Widersprüchliche einzuebnen. Der unberechenbaren Kunst des Theaters zu folgen, gerade in unberechenbaren Zeiten wie diesen, kann auch ein wichtiger Akt sein, liberales Denken mit all den Konflikten, die eine freie und pluralistische Gesellschaft mit sich bringt, zu üben und zu stärken. Und das Theater kann sich umso besser für eine offenere Gesellschaft einsetzen, je mehr es von dem einsetzen kann, was es ausmacht. Wenn es nicht dual gedacht wird, sondern als Spannungsfeld, in dem alles, wirklich alles Platz hat. Zeitgemäßes Diskurstheater und rituelles Theater, nur um zwei vermeintliche Pole zu nennen, schließen sich dabei nicht aus, sondern können gerade auf der Live-Bühne immer wieder neu variiert und zusammengefügt werden, sodass etwas ganz Neues daraus entstehen kann. Theater hat alle Freiheiten und Möglichkeiten, in einer einzigen Inszenierung zusammenbringen, was ansonsten gerne in verschiedene Schubladen gesteckt wird. Theater ist daher immer auch angewandte Philosophie, offen und für alles zuständig, ohne relativieren zu müssen. Ein riesiger Baukasten, wo u.a. mit Verstand, Gefühl, Handwerk und Fantasie die wundersamsten und bizarrsten Kunstwerke entstehen können. Den Möglichkeiten am Theater sind auch deshalb keine Grenzen gesetzt, da es viele andere Künste in sich aufnehmen kann (Musik, Literatur, Film, bildende Kunst etc.) und Hybridformen entwickeln. Auch wenn es gedankenvoll ist, wird das Theater kaum Antworten liefern, auch wenn es eher performativ ist, wird es immer etwas aussagen. Und wenn es dabei auf Fragen, Staunen und auch Widerspruch stößt, erreicht es schon ganz vieles. Denn gerade auch im Widerspruch, in dieser aktiven und emotionalen Haltung liegt eine ganz große Kraft des Theaters, liegt auch eine Liebe zu ihm. In diesem Sinne ist auch dieser Text zu verstehen.